Hace unas semanas hablábamos de chicas surferas, chicas que hacían música surf en los sesenta -las pioneras Chiyo Ishi y Kathy Marshall- Ahora en El Sótano de Radio 3 han estrenado lo que va a ser el primer disco de los Pacific Lions, banda mexicana de surf que cuenta con una chica como guitarra solista, Cheli Malibú, el grupo se completa con El Dani a la batería y León al bajo.
Los Pacific Lions proceden del estado mexicano de Texcoco, en la costa del Pacífico, y su disco se va a llamar "Valley Of The Kings". Los temas de adelanto suenan muy bien. Cheli demuestra tener la lección bien aprendida, se conoce perfectamente el sonido de los maestros del surf, y la banda suena compacta, enérgica y fresca.
En este tiempo oscuro en que vivimos se agradece profundamente el más mínimo destello de luz que nos aporte algo de color y calidez. Las fotografías de Mary Hernández saben capturar ese brillo tan vital y necesario. Mary va más allá de la mera recreación de un tiempo y una estética, sus trabajos comunican el gusto y la pasión con que están hechos, el cuidado de los detalles en la ambientación, el empleo de la luz para moldear colores dulces y suaves, la creación de atmósferas, los juegos de seducción e insinuación de las pin-ups, mujeres que transmiten fuerza y sensualidad a la vez, imágenes únicas cada una de las cuales parece una pequeña parte de un mundo más amplio. Un mundo que se inspira en la América de los cincuenta pero es absolutamente contemporáneo, que se apoya en motivos clásicos para dar un punto de vista muy personal.
Descubrí a Mary Hernández hace algún tiempo en una entrevista que le hicieron en la revista "Tattoo" con motivo de una exposición suya en el Espacio Harley y me sorprendió el gran nivel de sus fotos: no eran las fotos de algún consagrado artista americano, eran las de una chica joven, de Barcelona para más señas, hechas aquí y ahora!
A lo largo de los últimos años Mary ha realizado diversos proyectos, ha colaborado con diseñadoras de la talla de Bibian Blue y Maya Hansen, ha publicado en revistas como Xtreme Bikes y Custom Garage, y se ha construido una excelente trayectoria. Hace unos meses recogió una buena muestra de su trabajo en un libro titulado "Pin Ups Rule!" (Quarentena Ediciones 2011).
Estas son algunas de sus fotos:
Diseños de Bibian Blue para la colección "Les nuits de brocade"
"Burlesque" Diseño de Bibian Blue
Vinila vestida por Maya Hansen, so sweet....
Zurine Liquor on wheels
Serie "Cars & Girls" Miss Coconut Yeye a punto de zarpar
Este es un buen momento para recordar esta canción que los divertidos BR5-49 le dedicaron a la pin-up por excelencia, Bettie Page, este tema estaba incluido en un EP titulado "Live From Robert's" que publicaron en 1996, el disco recoge un directo grabado en una tienda de ropa vaquera country & western.
Poca broma con estos tipos, que nadie se fíe de su aspecto, son músicos impresionantes. Este grupo empezó a funcionar a principios de los noventa y su mezcla de rockabilly-western swing-honky tonk-country-punk es totalmente irresistible. En su día estuvieron por aquí participando en algún festival y teloneando a Nashville Pussy pero sufrieron algunos cambios en su formación y dejaron de funcionar hace unos años, algunos de sus miembros se lanzaron en solitario, como el cantante Gary Bennett, o fundaron otros grupos, el bajista Geoff Firebaugh formó los Hillbilly Casino. La canción es absolutamente genial.
La publicación del magnífico nuevo disco de Bob Wayne, "Till The Wheels Fall Off", le confirma como el número uno actual del country punk, cowpunk, outlaw country o como se quiera llamar a esta música, que está viviendo un momento espléndido en los últimos años, con artistas como el propio Wayne, Hank III o Jayke Orvis entre otros muchos. Esta escena musical o "movimiento" te hace rememorar inmediatamente los años dorados de otros outlaws históricos: Johnny Cash, Hank Williams Jr, Willie Nelson, Merle Haggard, David Allan Coe, Waylong Jennings o el gran Kris Kristofferson; pero en los años setenta, entre todos estos duros forajidos brillaban dos chicas fuertes que, a pesar de sus méritos, hoy día están poco o nada reconocidas: Jessi Colter y Sammi Smith.
JESSI COLTER
Jessi Colter, de nombre verdadero Miriam Johnson, cantante, compositora y pianista, nació en Phoenix, Arizona en 1943. Cercana al mundo de la música desde muy joven, su hermana Sharon estaba casada con el productor "Cowboy" Jack Clement, inició su carrera profesional con el famoso guitarrista Duanne Eddy, con quién se casó en 1962 en Las Vegas, a los diecinueve años. En esa época se hacía llamar Miriam Eddy y empezó cantando y componiendo para artistas como Nancy Sinatra o Dottie West. En 1968 se divorció de Duanne Eddy y regresó a Phoenix, donde conoció a uno de los más grandes artistas del country, Waylon Jennings, con quién se casó en 1969, y se instaló en Nashville, Tennessee. Waylon y Jessi tuvieron un hijo, Shooter Jennings, que es también un estupendo y reconocido músico.
Waylon Jennings y Buddy Holly (1959)
Es en esa época cuando Miriam adopta el nombre de Jessi Colter en honor a un antepasado suyo del salvaje Oeste, su bisabuelo Jess Colter, un auténtico fuera de la ley, ladrón de bancos y compañero de aventuras de los famosos pistoleros Frank y Jesse James.
Waylon co-produjo junto a Chet Atkins el primer disco de Jessi, "A Country Star Is Born", que pasó sin pena ni gloria, pero grabaron algunos duetos como Waylon And Jessi que lograron entrar en las listas de singles a principios de los setenta, "Under Your Spell Again" y una versión del "Suspicious Mind" de Elvis Presley.
En 1975 Jessi obtuvo su mayor éxito con "I'm Not Lisa", número uno en las listas de country y número cinco en las listas de música pop, una canción incluida en su segundo disco, "I'm Jessi Colter".
Jessi publicó en 1976 otros dos álbumes con muy buena repercusión en los charts, "Jessi" y "Diamond In The Rough", y participó junto a Jennings, Willie Nelson y Tompall Glaser en "Wanted! The Outlaws", el primer álbum de country que vendió un millón de copias y obtuvo el disco de platino. El disco era un recopilatorio que pretendía aprovechar el tirón del entonces popular country outlaw recogiendo diversos temas ya publicados previamente, entre ellos "Suspicious Mind", esta es una versión grabada en directo en Nashville en el año 2000:
Jessi publicó otros dos discos a finales de los setenta, "Miriam" y "That's The Way A Cowboy Rocks And Roll", se separó de Waylon en 1980, debido a la adicción a las drogas de éste, se reconcilió con él y publicaron juntos otro de sus grandes éxitos, el álbum "Leather And Lace", disco de oro en 1981. Jessi completó los ochenta con otros dos discos en solitario, "Ridin' Shotgun" y "Rock And Roll Lullaby", tras los que se dedicó a su vida familiar. Desde entonces sólo ha sacado dos discos, uno de canciones infantiles, en 1996, y "Out Of The Ashes" en 2006, además de algún recopilatorio.
SAMMI SMITH
Sammi Smith se llamaba en realidad Jewel Faye Smith, y nació en Orange County, California, en 1943. Debido al trabajo de su padre tuvo una infancia errante y creció entre Oklahoma, Texas, Arizona y Colorado. Desde muy joven llevó una vida muy agitada, a los once años dejó la escuela y comenzó a cantar en bares y clubes, a los quince años se casó con su primer marido, con quien tuvo tres hijos. A los veintitres años, ya divorciada, se instaló en Nashville donde la descubrió Marshall Grant, bajista de Johnny Cash en esa época. Sammi fué contratada por Columbia Records y publicó en 1968 un primer single, "So Long, Charlie Brown, Don't Look For Me Around", sin mucha repercusión.
En 1970 firmó con otra discográfica, Mega Records, y obtuvo un pequeño éxito con un tema titulado "He's Everywhere" que llegó al número 25 en las listas de country. Pero fué en 1971 cuando Sammi triunfó a lo grande con una maravillosa canción de Kris Kristofferson, "Help Me Make It Through The Night".
Aquí está el mismísimo Hombre de Negro, Johnny Cash, presentando en su show de TV a Sammi Smith en 1971:
Kris Kristofferson había publicado esta canción en su primer disco, en 1970, y había pasado totalmente inadvertida, sin embargo la versión de Sammi Smith subió como la espuma hasta el número uno en las listas de country y el ocho en las listas pop, el single vendió más de dos millones de copias y el álbum donde se incluía obtuvo el disco de oro. Sammi también ganó el Grammy a la mejor canción y el premio a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Country. Después de este éxito la canción fué versionada por toda una galaxia de estrellas: Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash & June Carter, Gladys Knight & the Pips o Peggy Lee entre muchos otros más.
Pero el gran boom de esta canción no eclipsó la trayectoria posterior de Sammi, que, durante los años setenta visitó con cierta asiduidad las listas de éxitos country, e incluso ocasionalmente las de pop, con canciones como "Then You Walk In", "Today I Started Loving You Again", "I've Got To Have You, "Long Black Veil" o "Sunday School To Broadway".
Sammi Smith y Willie Nelson en 1973
Durante los setenta, Sammi compuso canciones para Conway Twitty o Waylon Jennings entre otros, y giró habitualmente con Willie Nelson y el propio Waylon Jennings. En esa época Sammi estaba casada con Jody Payne, guitarrista de Willie Nelson, y tuvo otro hijo, llamado Waylon en honor a Jennings, gran amigo de la pareja y padrino del niño. (Como curiosidad, Waylon Payne, el hijo de Sammi Smith y Jody Payne, cantante y actor, interpreta a Jerry Lee Lewis en la película "En La Cuerda Floja", biografía de Johnny Cash, con Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon).
A finales de los setenta su carrera fué declinando y Sammi se dedicó a defender la causa de los nativos americanos, se fué a vivir a una reserva india en Arizona, adoptó tres niños apaches e incluso creó una banda llamada Apache Spirit.
Las aburridas listas de mejores guitarristas de la historia que suelen publicarse están siempre copadas por heavys, virgueros, algunos bluesman, faltaría más, y los habituales tópicos. Creo que en lugar del enésimo halago desganado a Jimi Hendrix, Clapton o Page y sus alardes de egovirtuosismo ("Los solos de guitarra son... aburridos" Johnny Ramone dixit) serían mucho más interesantes listas como "Los 100 guitarristas mejor peinados", donde se pelearían los tupés de Scotty Moore o Duanne Eddy con las greñas de Mick Ronson o Randy Rhoads y el pelucón de Joan Jett, "Los 100 mejores guitarristas con sombrero", donde Slash lucharía en solitario contra una pléyade de virtuosos del country, o "Los 100 mejores guitarristas con tacones" donde nuestra querida Poison Ivy lucharía con PJ Harvey, Lita Ford, el tándem Johnny Thunders-Sylvain Sylvain o esta otra mujer increiblemente estilosa: Norma Jean Wofford, The Duchess, guitarrista de Bo Diddley entre 1962 y 1966.
NORMA JEAN WOFFORD: THE DUCHESS
Norma Jean Wofford, The Duchess
La Duquesa nació en Pittsburgh, Pennsylvania, y entró en la banda de Diddley en 1962 para sustituir a otra mujer, Peggy Jones, más conocida como "Lady Bo". Estuvo hasta 1966, año en que se casó y se fué a vivir a Florida. Durante esos cuatro años Bo y La Duquesa se hicieron pasar por hermanos porque, según Diddley, eso le dejaba a él en una posición más cómoda para protegerla en sus giras. Bo confiaba tanto en ella, y no solo en su capacidad como guitarrista, que dejó que La Duquesa se ocupara también de sus asuntos económicos, de hecho ella era su "banco" como llegó a reconocer en alguna ocasión.
En la primera gira de Bo Diddley por Inglaterra, en 1963, La Duquesa causó auténtica sensación con su presencia en el grupo, su espectacular guitarra Gretsch y su rompedora imagen, vestida con un ajustadísimo mono de lamé dorado. Eric Burdon ilustró en la canción de los Animals "The Story of Bo Diddley" el impacto de su visita a Inglaterra en la incipiente escena musical de ese momento.
En este vídeo de 1965 se aprecia perfectamente como eran los shows de Bo Diddley, su espectacular puesta en escena, con sus coristas, las Bo-ettes
(Lily "Bee Bee" Jamieson y Gloria Morgan) y La Duquesa en primera fila.
Otro video excelente con Bo y La Duquesa mano a mano
PEGGY JONES: LADY BO
Peggy Jones, Lady Bo
Peggy Jones, nacida en el distrito de Sugar Hill, en Manhattan, fué descubierta por Diddley en 1957. Peggy, que en aquella época estaba en un grupo vocal llamado The Bop-Chords, fué a un concierto de Bo Diddley en el mítico Teatro Apolo llevando su guitarra, Diddley se cruzó con ella tras el concierto y le llamó la atención ver a una adolescente con una guitarra, le pidió que tocara algo y rápidamente se dió cuenta de su enorme talento para la música -Peggy fué una niña prodigio que se graduó en la New York High School of Performing Arts, donde estudió baile, arte dramático y teoría musical, y dominaba diversos instrumentos-. Bo le ofreció unirse a su banda como guitarrista en sustitución de Jody Mitchell, que debía incorporarse al servicio militar, ella aceptó y el resto es historia.
Peggy se adaptó rápidamente al peculiar sonido Diddley, donde la rítmica suele estar por encima de la armonía, y tuvo una gran influencia en su música, como ha reconocido el maestro, que siempre fué muy generoso y nunca escatimó elogios a los méritos de sus colaboradoras. Peggy estuvo con Bo hasta 1961, su guitarra se oye en algunos de sus grandes éxitos, como "Hey Bo Diddley" o "Road Runner", y luego fundo su propia banda, The Jewels, también conocidos como Lady Bo & The Jewels. Peggy ha desarrollado una larga carrera en la que ha trabajado como músico de sesión, ha colaborado con multitud de bandas, grabó con Eric Burdon, gran admirador de Diddley, el éxito de los Animals "San Franciscan Nights" en 1967, ha formado distintos grupos e incluso volvió a unirse a la banda de Bo Diddley, no en vano estaba casada con Willy Malone, bajista de Bo. Peggy Jones es una guitarrista fabulosa y una gran referencia para todas las mujeres que se han dedicado al rock posteriormente, de Crissie Hynde a Poison Ivy, y sin duda merece estar en esas listas de mejores guitarristas mucho más que algunos otros colegas masculinos.
Este es un video de Peggy tocando con Bo Diddley tras su regreso junto al maestro.
En un mundo tan tradicionalmente masculino como el del rock ha habido también muchas mujeres que han dejado una huella importante. Una de estas mujeres fue Chiyo Ishi, norteamericana de sangre nativa, de la tribu de los hopi, considerada la única mujer que lideró una banda de surf en los sesenta, Chiyo & The Crescents, un grupo semidesconocido que publicó un single con dos canciones, "Devil Surf" en la cara A y "Pink Dominos" en la B, en noviembre de 1963.
Chiyo & The Crescents: Chiyo Ishi y su Fender Jaguar blanca
Chiyo Ishi era la guitarra solista y contaba con el respaldo de The Rescents, una banda compuesta por Thom Bresh a la guitarra rítmica, Tom Mitchell al bajo, Bob Ross a la batería y Ray Reed al saxofón.
No hay mucha información disponible pero según John Blair, autor del libro "Illustrated Discography of Surf Music 1961-1965" (2008), Chiyo & The Crescents procedían de Oxnard, una localidad al norte de Los Angeles, en el Condado de Ventura, California, aunque Chiyo había nacido en Arizona, otras fuentes la sitúan regentando una tienda de instrumentos musicales en Oxnard tras haber estudiado música en la Universidad de Nebraska en los años 40.
Sin embargo Chiyo Ishi no fué la única mujer en tocar música surf en los sesenta, aunque sí fué la primera, Robert Dalley, autor de "Surfin Guitars: Instrumental bands of the Sixties" (1996), cuenta la historia de una jovencita llamada Kathy Marshall.
Kathy Marshall
De Kathy Marshall se conocen más datos, entre ellos que el único material que grabó, dos temas especialmente compuestos para ella por Mel Taylor y Don Wilson, de los Ventures, quedó inédito, tal vez reposen en algún cajón perdido y vean la luz algún día, quién sabe, y esta es la razón por la que se considera a Chiyo Ishi, que sí publicó un single, la única mujer guitarrista de surf en los sesenta.
Como recoge la web Instro-Rama, Kathy aprendió a tocar la guitarra desde niña. En 1963 escuchó el clásico "Pipeline" y se obsesionó con la música surf, desarrollando una técnica asombrosa que la llevó a ir de gira durante un año entero invitada por los Blazers (¡con solo trece años!). Tocó durante meses en el Retail Clerk's Hall, la meca de la música surf en Orange County, con Eddie & The Showmen, residentes del local, y llegó incluso a compartir escenario con el mismísimo Dick Dale, tocando juntos "The Wedge", uno de los greatest hits del maestro del surf. Curiosamente, en 1968, tras graduarse, Kathy se retiró del mundillo y llevó una vida más convencional dedicándose a dar clases de guitarra.
Dos historias diferentes con distintas circustancias, dos mujeres que dejaron su huella en las playas de la música surf.
Esta semana se han cumplido
treinta y cinco años desde que se creó el famoso logo de los Ramones, y es un
buen momento para recordar que cualquier persona decente debería tener por lo
menos una camiseta de los Ramones en su armario (y unos cuantos de sus discos en
la estantería).
Hay cientos de camisetas de
los Ramones con diferentes diseños pero sin duda la más reconocible es la que
lleva su logotipo, la camiseta más vendida, copiada y pirateada que existe. Esta prenda se ha
convertido por derecho propio en un clásico que ha trascendido su hábitat
natural y se ha popularizado universalmente, y el logo, el más reconocido de la
historia de rock, junto a la lengua de los Stones, diseñada por John Pasche, es
uno de los iconos de la cultura popular del siglo XX como lo puede ser, por
ejemplo, el bote de sopa Campbell de Andy Warhol.
Como es bien sabido el logo
de los Ramones es obra de Arturo Vega, uno de los colaboradores más cercanos del
grupo, responsable también de los clásicos juegos de luces rojas, blancas y
azules de sus conciertos o de las pancartas con el lema “Gabba Gabba Hey”,
sacado de una frase de la película “Freaks” de Todd Browning, que Joey mostraba
cuando tocaban la canción “Pinhead”.
El logo nació tras una
visita a Washington DC y se basa en el escudo presidencial de los Estados
Unidos, añadiéndole al águila un bate de béisbol, por la afición de Johnny a
ese deporte, y una rama de manzano en lugar de la rama de olivo original, por
lo del típico pastel de manzana, simbolizando su americanismo, además de la
leyenda “Look Out Below” que se sustituyó poco después por su grito de guerra:
“Hey Ho Let’s Go”. El diseño se completa con los nombres de los Ramones
originales, Joey, Johnny, Dee Dee y Tommy cerrando un círculo sobre el dibujo.
Arturo pretendía distanciarse
con un diseño limpio de la estética “sucia” y desordenada que se estaba
imponiendo en el punk y de cierta imagen caricaturesca que se asociaba a los
Ramones, véanse los dibujos de John Hollstrom, ilustrador de la mítica revista
“Punk”, y autor de la portada de “Road To Ruin”. Quería luchar contra esa falsa
percepción que se ha tenido siempre de los Ramones de que todo lo que les rodea
es casual, improvisado o anecdótico cuando eran una banda que controlaba todos
los detalles, desde su imagen a sus movimientos en el escenario, plenamente
conscientes de la solidez de su concepto.
Arturo Vega nació en
Chihuahua, México, donde estudió Bellas Artes y se inició en el teatro. Arturo
viajó a Estados Unidos con idea de dedicarse al cine, y se afincó en Nueva York
a principios de los setenta, alquilando un loft en el
número seis de lo que era la E2
Street, hoy llamada calle Joey Ramone, a la vuelta de la esquina del mítico
CBGB. Gran aficionado a la música,
Arturo había estado en el famoso Festival de Monterrey viendo a algunos de sus
héroes, como The Who, Otis Redding o Jimi Hendrix, y estos gustos musicales le
hicieron conectar con un joven llamado Douglas Glenn
Colvin, cuya novia era vecina de Arturo.
Arturo y Douglas, más conocido como Dee Dee, se hicieron
amigos y Arturo jugaría un papel muy importante en la banda de Dee Dee, que en
aquel entonces se estaba formando.
Entre otras muchas cosas, Arturo se encargó del
merchandising de los Ramones desde el principio, las camisetas las imprimía él
mismo en su apartamento con ayuda de Dee Dee y Joey, y las vendía en los
conciertos. Con ese dinero se pagaba sus gastos de viaje y alojamiento en las
giras, pero poco a poco la demanda aumentó considerablemente y en la última época del grupo el
merchandising era su principal fuente de ingresos. Como decía Arturo, los Ramones vendieron cientos de miles de discos, pero millones de
camisetas.
Lo cierto es que, a pesar
de la importancia que ha tenido la industria de la moda en los últimos cien
años, ninguno de los genios del diseño ha sido capaz de crear algo tan útil,
práctico y universal como un pantalón vaquero y por supuesto, ninguno ha sido
capaz de crear una imagen tan potente como los Ramones: chupas de cuero,
vaqueros ajustados y rotos, camisetas y zapatillas, junto a sus peculiares
cortes de pelo, fueron siempre sus señas de identidad y han sido adoptadas por
cientos de miles de jóvenes en todo el mundo a lo largo de los años.
Dee Dee: “Cuando
empezábamos y nos pusimos a hablar sobre la ropa que íbamos a ponernos,
decidimos llevar lo que teníamos. Pensamos en hacernos con ropa de fantasía,
pero finalmente decidimos no hacerlo.”Tommy: “Nuestra imagen
evolucionó deprisa. Al principio alguno de los miembros vestía en plan glitter,
con lentejuelas y tal, pero no íbamos a ser una banda glam. Aquello se
transformo rápidamente en uniformes. A los seis meses ya sabíamos lo que
funcionaba y lo que no. La idea era vestir aquella ropa que usábamos de
chavales. Prendas que nos identificasen. Y funcionó. Era cómodo. Encajaba con
la música y era genuino.”Monte: “Johnny estaba
siempre muy preocupado por su aspecto –las chupas de cuero, los tejanos y las
camisetas-. Le molestaba cuando alguien se apartaba de esa línea. Se mosqueó
mucho cuando para la portada de End Of The Century tuvieron que aparecer sin
chaquetas de cuero y con camisetas de colores.”Extractos del libro “De
gira con los Ramones” de Monte A. Melnick y Frank Meyer. Editorial Munster
Books
Celebrities fans de los Ramones
Video Clip
RAMONES Do You Remember Rock N Roll Radio
Increible, Los Ramones en 1980 en el programa "Aplauso"de Televisión Española, y haciendo playback por exigencias del guión!!!! Esto hoy sería absolutamente imposible: un programa musical en horario de máxima audiencia, imposible, un grupo como los Ramones en un programa musical en horario de máxima audiencia: total y absolutamente IMPOSIBLE!!!!! No hay palabras.....
En las últimas semanas he oído hablar en “El Sótano” de
Radio 3 de algunos discos nuevos cuyas portadas han sido realizadas por el Dr.
Alderete, concretamente el nuevo de los Twin Tones, “Trío De Mercenarios”, y el
EP compartido de los valencianos Chewbaccas y los mexicanos Electroplasma. Es un buen momento para conocer mejor a uno de los más grandes ilustradores de la
actualidad.
Jorge Alderete nació en Patagonia, Argentina, en 1971,
aunque está afincado en México DF desde hace más de quince años. Estudió Bellas
Artes en la Universidad
de La Plata y
es licenciado en Diseño y Comunicación Visual. Ha trabajado como animador
independiente para Nickelodeon y MTV en Latinoamérica, Brasil y Japón, fue
coordinador de la sección de animación de la web de la MTV para Latinoamérica, y ha
realizado una infinidad de proyectos de ilustración, animación o cómic para
distintos medios de todo el mundo.
En su obra se aprecia claramente las huellas de distintas
fuentes: el cine de serie B, la ciencia ficción, la estética años 50, el rock
n’ roll, el surf, los tikis hawaianos, la lucha libre mexicana, y, por
supuesto, el cómic, en distintas entrevistas ha declarado su admiración por
autores como Charles Burns, Guido Crepax, Gary Panter o Daniel Torres, entre
otros.
Como declaraba en la web becreativeordie.com, el Dr.
Alderete crea sus obras con lápiz y papel, una vez esbozadas las ideas pasa a
escanear el boceto y vuelve a dibujarlo todo con un programa informático de diseño
vectorial, donde añade también el color, y posteriormente, añade texturas y
detalles con Photoshop. Un proceso sencillo si uno tiene ese enorme talento, el
resultado salta a la vista. Esta es una pequeña selección de sus trabajos.
Day Of The Dead (2011)
Portada de un libro
que recoge una colección de trabajos de arte Low Brow y Kustom sobre el Día De
Los Muertos a cargo de diversos autores, publicado por la exquisita editorial británica Korero. La imagen es todo un homenaje a la estética del tatuaje old school y las calaveras mexicanas.
Cartel Exposición
Faro De Oriente (2010)
El
Faro de Oriente está en Iztapalapa, Ciudad de México, una de las zonas más conflictivas de la ciudad. El arte como contrapunto, como un remanso de paz y buenas vibraciones. El cartel mezcla estilo de cómic underground americano y tatuaje.
Cartel Exposición Radioactiva! / Portada de disco de Los Explosivos (2009)
Radioactiva!
El Dr. Alderete expuso en la Galería Garabat de Bilbao en 2009 una buena muestra de su obra. La exposición se anunciaba con una viñeta que evocaba diversos carteles de películas de serie B como "The Blob" o "La Invasión De Los Ladrones De Cuerpos". Aquí puedes ver el magnífico catálogo de la exposición:
Uno de los discos que ilustró ese año fué el "Mexican Garage Extravaganza" de Los Explosivos. La portada refleja muy bien el espíritu divertido, gamberro y urgente de su música.
Lux Interior (The Cramps) / Elvis Presley (2009)
Retrato de homenaje a Lux Interior, cantante de The Cramps, una de las figuras más importantes del rock de los últimos 30 años. El dibujo da a Lux un aspecto de zombie de cómic de los años 50 que le hubiera encantado.
La editorial valenciana Media Vaca publicó en 2009 el libro "Mis primeras 80.000 palabras", el Dr. Alderete ilustró la palabra "Rey" con un retrato de Elvis, gran ídolo de los Cramps precisamente, otra vez se hace patente su gusto por la música y la estética de los 50.
Tura Satana / Exposición "Yo soy un don nadie" (2008)
"Tura Tura Tura" 2008
Diversos artistas “Low-Brow” homenajearon a la actriz,
modelo, cantante, bailarina exótica, stripper y cinturón negro de kárate,Tura Luna Pascual Yamaguchi, más conocida como Tura
Satana, una de las personalidades más fascinantes del siglo XX. Tura debutó en el cine a lo grande en "Irma La Dulce", de Billy Wilder, y fué protagonista de películas de culto como "Faster Pussycat, Kill, Kill" de Russ Meyer o "The Astro Zombies" de Ted V. Mikels.
"Yo Soy Un Don Nadie" 2008
Sus primeros diez años en México recogidos en unas
exposición y un libro.
Tiki Modern / Perro Muerto (2007)
Tiki Modern 2007
Ilustración para la gira de presentación de “The Book Of
Tiki” de Sven A. Kirsten, publicado por la editorial Taschen. Los tikis, dioses protectores hawaiianos, van indefectiblemente unidos a la música surf y son uno de los grandes referentes estéticos del Dr. Alderete.
Perro Muerto 2007
En colaboración con Andrés Amaya, diseñador
industrial, el Dr. Alderete puso en marcha Plan B, una productora de juguetes
de vinilo 100 % Made in México, esta fué su primera pieza.
Los
Coronas “Surfin' Tenochtitchlan” (2006) / “El Baile Final De Los Locos Y Los Cuerdos” (2009)
Los Coronas también contaron con el arte del Dr. Alderete en "Surfin' Tenochtitchlan" (2006) y en la versión mexicana de "El Baile Final De Los Locos Y Los Cuerdos" (2009).Totems mexicanos, surf, cactus del desierto, moais de la Isla de Pascua, las portadas captan perfectamente la esencia de la música.
Portada del disco recopilatorio "Instro-Latin-O-Rama" (2004)
Instro
Latin-O-Rama 2004
Como gran aficionado a la música, el Dr. Alderete
creó en el 2000 la discográfica Isotonic
Records junto a Juan Moragues “El Reverendo”, un sello especializado en música
instrumental, surf y rockabilly. Isotonic ha publicado discos de bandas como Los Coronas, Los Straitjackets, The Cavernarios, The Twangers, Matorralman , Lost Acapulco y Tijuana Bibles entre otros, además de diversos recopilatorios.
Y para terminar, un poco de música:
Video Instalación para la Expo Basura Diseño y
Reciclaje2007 Música: Yucatán A Go Go (Versión del “Blitzkrieg Bop” de
los Ramones)
